Camel - Mirage - 1974

O CAMEL é mais uma banda de rock progressivo que de alguma forma se inspirou na obra de J.R.R. Tolkien, "O senhor dos Anéis" produzindo um dos álbuns mais escutados do rock progressivo.
Álbum de apenas cinco faixas seguindo os padrões progressivos é um dos poucos que fica difícil não escutá-lo da primeira a última faixa.
A formação do CAMEL para "Mirage" contou com Andrew Latmer nas guitarras, flauta e vocal; Peter Bardens nos teclados e vocal; Doug Ferguson no baixo e Andy Ward na bateria e percussão.

Há bem mais Latimer neste álbum, sejam suas ricas guitarras fortemente influênciadas pelo blues e rock ou sua gentil flauta que também tanto caracteriza o grupo, Bardens por sua vez mantém seu excelente nível com uma palheta invejável de teclados e extremo bom gosto na escolha dos mesmo. A bateria de Andy Ward também é algo que se destaca, se sobressaindo em momentos e formando uma base sólida com ritmos quebrados e complexos com o baixista Doug Ferguson. Destaque para a flauta de Latimer na hardprog "Supertwister", para o solo de guitarra em "Nimrodel", e para o Moog de Bardens em Earthrise.
Não pode faltar na coleção de roqueiro algum. Quem nunca escutou este trabalho, tem que escutá-lo.

A produção , gravação e mixagem deste disco são muito bem feitas dando uma realçada na qualidade da banda e seus músicos.Mirage é excencial, então compre o seu.  

 

Novalis - Sommerabend - 1976

O Rock Progressivo no seu auge na década de 70, produziu algumas das mais belas melodias ouvidas no rock. E os alemães tiveram grande participação que o diga esta pérola do progressivo, que na minha opnião é um dos discos mais bonitos do estilo, e na minha humilde opnião um dos discos mais bonitos que já ouvi.

Esta banda alemã setentista gravou, se não me engano, 04 álbuns, sendo este tido como o melhor e mais lírico. 

 Maravilhosamente sinfônico, sommerabend nos brinda com 03 magníficas faixas, todas tendo cada segundo muito bem aproveitado.Com arranjos maravilhosos e instrumentalmente primoroso, a banda consegue expor toda sua grandiosidade. Os desenvolvimentos dos temas sofrem variações constantes de modo a não entediar o ouvinte que acaba sendo surpreendido o tempo todo. Nem mesmo seu vocal, cantado em alemão, lhe tira o brilho e a preciosidade.  Efeitos especiais nos sintetizadores de Lutz Rahn, climas atmosféricos percorrendo as veias melódicas das canções e o que mais cativa, que são os vocais em alemão, alternados entre Detlef Job e Heino Schunzel , ambos ótimos cantores e causando um clima dramático intrínseco às faixas cantadas (Wunderstchatze e a faixa-título). O som do mellotron é tipicamente a la germania, dando sensação de estarmos presentes em uma festa folclórica alemã, especialmente na primeira faixa, Aufbruch. Esta faixa, aliás, é o próprio progressivo. Trata-se de um instrumental variando em 05 andamentos que se repetem pelo menos uma vez cada um e um show de harmonia melódica, em que os temas variam na medida certa sem se tornarem repetitivos, nos quais os teclados de Lutz executam uma progressão harmônica em movimento descendente durante a execução dos outros instrumentos.As composições são maravilhosas, e a beleza destacada da introdução de Wunderschatze é impressionante.

A suíte sommerabend é primorosa. Sua melodia em tons menores e dissonantes é simplesmente linda.  O tema que encerra é o mesmo da introdução. É hilário! Uma aula de som progressivo! Ouçam! Um álbum extremamente envolvente e belíssimo. Não há melodias intrincadas e nem aquela arrastação enfadonha e interminável de solos de um ou outro instrumento!Se você reparar, utilizam muita a nota ré menor, tornando as músicas melancólicas porem belíssimas.DIsco para toda a vida.

 

Yes - Close to the Edge - 1972

Definitivamente Close to the Edge, último da trilogia Yes, é o próprio progressivo. Sim, se o progressivo tivesse uma cara poderia ser perfeitamente o Close to the Edge.  Tente assoviar seus acordes iniciais...

A suíte que dá nome ao disco começa com uma sessão rítmica que passa longe do tradicional quatro tempos. É absolutamente quebrada. Cada instrumento segue uma direção harmonizando-se no refrão. O baixo de Squire dá socos nas primeiras progressões em Close to the Edge. Os teclados de Wakeman se confundem com os barulhos dos pássaros e a guitarra de Howe é entrecortada e a execução de algumas partes exige uma abertura enorme das mãos e uma técnica refinadíssima. Uma música complexa difícil de assimilar de início.  Alguns trechos calmos entremeados por tempestades rítmicas sem ser atonal, mas absolutamente não convencional.

Isso tudo, conforme Bruford confessou, exigiu longas horas de preparação e sessões intermináveis de estúdio que lhe custaram a perda de paciência e posteriormente a sua saída da banda. Mas fazer uma música como Close to the Edge não é tão simples. O resultado foi o que a própria história do progressivo pode constatar : uma obra prima. And You And I, inicia-se sinfônica majestosa em sua abertura e descamba com um riff hippie na guitarra acústica e o retoma antes que entre definitivamente com o Mellotron e uma das progressões mais viajantes de toda história do progressivo: uma stell guitar que te faz levitar, viajar, sonhar, e leva-lo ao limite de tudo. Ë a própria essência de Close to the edge. Siberian Khatru conclui esta obra magistral de modo anárquico, repetitivo, mas alegre e pulsante.  Depois de Close to the Edge a comunidade progressiva e todos amantes do chamado artrock já não mais podiam viver sem eles!

. Enfim, um dos melhores albuns de todos os tempos, sem exagero. E com certeza, essa formação do Yes é uma das mais virtuosas formações de todos os tempos da música. Obrigatório.

Banda :
Jon Anderson: Voz
Steve Howe: Guitarras, Violões
Chris Squire: Baixo, Vocais
Bill Bruford: Bateria, Percussão
Rick Wakeman: Teclados

Inglaterra, 1972.

Discos que Marcaram a Minha Vida - King Crimson - In The Court Of Crimson King

Em uma época de minha vida , eu resolvi mergulhar de cabeça no rock progressivo, já conhecia algumas bandas como : Yes , Pink Floyd, Genesis , ELP, mas como que num passe de mágica esta obra prima caiu nas minhas mãos , tendo um efeito muito bom , apesar de ser um disco depressivo, sua musicalidade , a banda , os timbres , as letras dão o charme necessário para que este se torne um disco para toda a vida .

Tinha no seu elenco, Robert Fripp (guitarra e Mellotron), Greg Lake (baixo e vocal), Ian McDonald (flauta e teclado) e Michael Giles (bateria). Ainda contavam com mais um membro, o letrista/filósofo Pete Sinfield.

Este pode ser considerado o ponta pé inicial do progressivo, o primeiro álbum que realmente definiu o estilo (claro, tomando sua definição common sense caracterizada por mudanças de tempo, influências clássicas e jazzísticas, experimentalismos diversos, conceitualismo na integridade da obra, faixas longas e letras profundas). Álbum, este, extremamente influente originando diretamente grupos como Emerson, Lake and Palmer e McDonald and Gilles, e indiretamente uma infinidade de outras bandas que se tornaram clássicas do gênero.
 

A capa diz tudo: um ser humano aterrorizado.
Apavorado, provavelmente, com o futuro, tanto seu quanto da humanidade.
Era a intenção do King Crimson, que queria passar tanto nas letras de Peter Sinfield quanto na musicalidade de Robert Fripp o futuro que nos esperava.

O ano era 1969, o disco In The Court Of The Crimson King.

21st Century Schizoid Man:
Caótica, frequentemente descrita como: ''a trilha sonora que o mundo ouviria no seu apocalipse''.
Completamente louca.
Com uma letra visivelmente visando um futuro conturbado e violento: ''...Blood rack barbed wire Politicians funeral pyre Innocentes raped with nalpam fire Twenty fist century schizoid man..''.
King Crimson soube muito bem interpretar a letra de Peter Sinfield, musicalmente falando. São 07:21 de pura doidera e genialidade.
Destaque para a voz completamente irreconhecível de Greg Lake.

I Talk To The Wind:
Uma balada das mais lindas.
A letra, mais uma vez, disseca o ser humano e seu maior medo: a solidão.
Também visa a humanidade: ''I'm on the outside looking inside What do I see? Much confusion, desolution All around me''. Belíssima.
Destaque para a flauta de Ian McDonald.

Epitaph:
A mais depressiva do disco .
Também é a música que Greg Lake canta melhor.
A voz dele aqui, se transforma.
Talvez a única música da carreira do Lake em que a voz dele está teatral, maligna, a là Peter Hammill.
Sinfield aqui, mostra toda a sua vertente de grande letrista que é.
Poderosíssima, a letra.

 

Moonchild:
Praticamente unânime entre os fãs como: ''inescutável''. Só os primeiros 2 minutos valem a pena.
A própria banda detesta a música.
Segundo eles, já tinham gravado todo o disco e ainda faltava preencher espaço.
Então, fizeram qualquer coisa.  Se fosse experimental com sentido, tudo bem, mas...


In The Court Of The Crimson King:
A mais sinfônica do disco.
Excelente.
Com coral e tudo.
A letra é sobre a corte Rei Carmesin.
Quando você ouvir e achar que a música acabou, fique mais uns segundos ouvindo que você verá que tudo volta.
Fecha o disco com chave de ouro.

 

Pink Floyd , Syd Barret e a Psicodelia .

Lançado em 1967 ( foi gravado ao mesmo tempo e no mesmo estúdio que o ''Sgt Peppers''dos Beatles, aliás, dizem que as bandas trocaram umas idéias... ), ''The Piper At The Gates Of Dawn'' mostra um Syd Barrett louco e genial.
Considerado ''o letrista que melhor soube interpretar a psicodelia'', Syd era o líder ( pena que ultrapassou a linha entre a ''loucura saudável'' e a ''loucura doente'' ).
Influências literárias ( Kenneth Grahame é o autor de ''The Wind In The Willows'' do qual a frase ''The Piper At The Gates Of Dawn'' saiu, Lewis Carroll, Tolkien e outros ), muito LSD e criatividade são a base desse álbum.
Gravado em um estúdio de quatro canais, ''Piper...'' esbanja ''inovações'': letras estranhas e melodias poucos usuais. Onze músicas ( algumas versões em vinil contam com duas músicas a mais: ''Arnold Lane'' e ''See Emily Play'' ) de pura psicodelia.

A versão do disco de Astronomy Domine lembra um astronauta comunicando coisas para a Terra do Espaço, no início, com códigos morse e tudo mais (lembrei que vozes misteriosas também iniciam o Dark Side of the Moon) e a guitarra é violenta! Mas isso é mais preparativo para os outros sons!
Lucifer Sam te faz começar a entrar em climas de ânimo! Veio a idéia do título e umas primeiras palavras! Muito legal, clima sessentista e tudo mais!

Matilda Mother é mais estranha, do disco.
Flaming começa com o barulho de bombeiros, e de quando em quando dá se a impressão de que há mais vozes, barulhos ou coisas do gênero, é quase assustador, mas nada se compara ao que vai vir!
Pow t. Tou. c! Essa é pesada! Clima de improvisação jazzística, o tecladista deve ter delirado! Aqueles barulhos no meio, a bateria sincopada, leva a clima de transe!  Tem algo estranho ali, a intensidade aumenta aos poucos e continuamente!
A partir daí, há alegria na última música, estranheza em Interstellar Overdrive, que se junta a The Gnome .
Há muito mais a descrever, e o lado B é mais estranho ainda! A última música que faz você voltar ao estado comum, e na última música pude descansar de meu transe criativo. Partes da música, você lembra mesmo quando não as ouve!
Até agora fico com aquele tu, du! Há muitas coisas a descrever, sensações de medo, de fascínio, louvor, alegria! As letras são misteriosas, a voz surge . Disco para toda a vida.

 

Emerson, Lake and Palmer - TARKUS

A formação continuava evidentemente a mesma  com os integrantes  Keith Emerson nos teclados, Greg Lake no baixo, guitarra e vocais e Carl Palmer nas baterias e percussão. "Tarkus" simplesmente fez de um teste de conhecimentos ao ELP, fazendo o extremo de novos horizontes e caminhos porque no caso do anterior foi um tanto difícil até acertar aquele trabalho pois era uma coleção de trabalhos "individuais" do que "coletivo" (geralmente os novos ouvintes e os fãs do ELP percebem a grande diferença do primeiro para este segundo em questão de trabalho em conjunto). Ou seja "individuais" devido ao fato de que Keith Emerson tinha recentemente finalizado o "The Nice", Greg Lake havia abandonado o "King Crimson" e Carl Palmer deixado o "Atomic Rooster" (bandas das quais inclusive cada membro foi também fundador).O segundo trabalho que surpreenderia ainda mais o público e crítica quanto ao primeiro e este seria no caso o "Tarkus" que começou a ser elaborado no final de 1.970 e início de 1.971 e lançado na metade deste ano.

A arte da capa (dupla por sinal) foi feita por William Neal baseado numa estória comovente de um tanque de tatu pré-histórico que se estoura de um orifício vulcânico dentro de um ovo e vai afora num confronto de uma batalha mortal destruindo e assassinando primeiramente um gigantesco gafanhato automatizado e posteriormente um cavalo-pássaro de grosso metal antes que seje preso em um acirrado combate cara-a-cara com um leão contendo um rabo de escorpião. Aqui vai um detalhe muito interessante e enigmático a este respeito sobre esta "batalha" entre o leão e o tatu: no ano de 1.973 quando a banda gravou o album "Brain salad surgery" o ELP criou a Manticore Recordse justamente tem a figurinha de um leão com o rabo de um escorpião e fica uma pergunta: será que o ELP estava tendo logo de início problemas no que diz a respeito da Atlantic Records supostamente sendo o tanque tatu, ou seja ter a liberdade de possuir uma gravadora própria com o sucesso do primeiro album e de estréia por sinal ? Somente alguém do trio para responder verdadeiramente a esta questão... o ELP ainda em 1.971 com uma agenda muito atarefada e ocupada se apresentaria para expor "Tarkus" .

Considerado pela grande maioria dos fãs do ELP como uma obra-prima, uma "opera-rock" que possui sonoridades que vão desde o próprio rock progressivo, além do jazz, erudito, clássico, marcha, rock n roll, e até sonoridade de velho-oeste; o que demonstra o quanto a banda varia em sua sonoridade e prova que não é exclusivamente uma banda de rock progressivo. Muito dificilmente se encontra alguém que odeia o trabalho em forma de contexto geral e justamente a ousadia e criatividade devem ter feitos com que na época no ano de 1.971 fez com que o trio alcançasse facilmente o primeiro lugar de parada de sucesso no país de origem na Inglaterra e o "Top 10" (nona colocação) nos Estados Unidos. O curioso é que por mais que o sucesso tomou conta do trabalho nos dois extremos do planeta, não foi realizado compacto algum e estavam a frente de bandas como o "Yes", "Genesis" e "King Crimson" e meramente reconhecidos como o "Pink Floyd" ou "Jethro Tull".
Emerson continuava expondo o seu virtuosismo como um músico se dividindo ora ao lado rock e ora ao lado erudito, Lake demonstrava também o seu vocal melodioso e cativante e Palmer parecia ser um músico apesar de ser o mais novo da banda (estava com 20 anos na época) aparentava ter a experiência de percussionistas e bateristas 10 anos mais velhos que este.
Por outro lado divide uma opinião de certa parte dos fãs neste album; alguns preferem uma "metade" de "Tarkus" que possui uma suite que ocupa um lado inteiro de um disco de vinil e outros preferem a outra "metade" que é formado de singelas faixas numa média de 2 e 3 minutos de duração; mas ainda assim, essa outra metade fica até uma tanto perdida porque a sonoridade alcança o extremo de um "inferno" (músicas agressivas) e o "céu" (músicas tranquilas). É um trabalho que uma grande parte dos fãs que adoram ELP acima de tudo não recomendam para ser escutado em primeira instância a menos que seje por uma leviana curiosidade. Obrigatório.

 

 

 

Discos que Marcaram a Minha Vida - Guns ´n´ Roses - Appetite For Destruction

Eu estudava no ginásio na época e adentrava na adolescência , fazendo deste um dos discos,como trilha sonora da minha vida . O disco de estréia do Guns N' Roses certamente é um dos mais populares da história do rock. Com grandes faixas, como "Welcome to the Jungle", "Nightrain", que se tornaram clássicos do grupo e do rock/hard rock. Outras  como "Paradise City" e a histórica "Sweet Child O'mine", responsável por colocar o disco em primeiro lugar no mundo durante cinco semanas. O LP na época, vendeu cerca de 20 milhões de cópias, ganhando quinze vezes o disco de platina só nos Estados Unidos.

O disco parecia tanto avançado quanto retrógrado: a crueza punk do som e a elaboração rebuscada das letras o transformavam em ponte entre o rock comercial dos anos 80 e a música alternativa da década seguinte. Mas Appetite também foi um dos últimos álbuns a ser masterizado com o vinil em mente, a ser editado com uma lâmina de barbear aplicada sobre fita de 5 centímetros, a ser mixado por cinco pessoas ajustando botões em uma mesa de mixagem não-automatizada. "Usamos instrumentos e amplificadores clássicos", explica o produtor e técnico de som do álbum, Mike Clink. "Nossa abordagem era parecida com a das coisas que se fazia nos anos 60 e no início dos 70", completa o técnico-assistente de mixagem Deyglio. "Quase pode ser considerado o último remanescente desse tipo de disco. Appetite for Destruction poderia ser visto como o último grande álbum de rock feito a mão."

"Welcome to the Jungle" é uma abertura perfeita para o disco, pesada do início ao fim, um verdadeiro hard rock de primeira. Até hoje o Guns executa essa música em seus shows empurrado por um público fanático por esta faixa. Depois desta abertura estupenda, vem "It's so Easy", que é uma continuação do hard rock da primeira música, não deixando a peteca cair.

Depois vem "Nightrain" . Uma música que faz o ouvinte delirar, já no começo, com um ótimo riff de guitarra, que marca a introdução, e vai até o final, sempre com o mesmo peso. Nas duas músicas seguintes, "Out ta Get Me" e "Mr. Brownstone", se mantém o peso do início do disco, e com a mesma qualidade nota 10! 

Surge então,  "Paradise City", que possui a linha bem hard  e "My Michelle", que pode ser considerada uma linha mais punk, só que com um início bem mais lento. "Think about You", mais uma típica do hard rock e por último "Sweet Child O'Mine", o maior sucesso do Guns. Para fechar bem o disco, "You're Crazy", "Anything Goes" e "Rocket Queen". As duas primeiras um bom hard rock com chegadas ao punk, um estilo que todos os integrantes do Guns admiram. A útlima, com certeza um heavy metal, que verdadeiramente mostra o lado mais pesado do Guns N'Roses.

Axl estreou mandando muito bem no vocal, em uma de suas melhores fases e a banda simplesmente arrebenta num instrumental coeso  e pesado. Disco para toda a vida.

 

The Police - Reggata De Blanc

Lançado em 1979 , este segundo disco deste magnífico trio,  marca uma reviravolta no cenário musical do inicio dos anos 80 ao misturar a energia do Punk Rock a elementos minimalistas do Reggae. O próprio nome do disco é um trocadilho que poderia ser traduzido com “Reggae de branco”.

Uma clara evolução musical do grupo, em relação ao disco de estreia, devido em sua maior parte a modernização dos equipamentos da banda. Merece uma especial atenção o baterista Stewart Copeland que em sua bateria incorporou efeitos do próprio do instrumento, permitiu extrair de seu instrumento um som totalmente inovador para a época . E  que o reggae que ainda estava pouco reconhecido, mostrou possível para este baterista que era possível virar a bateria pelo avesso, é o que Copeland faz aqui , com polirritmias nunca antes ouvida e uma batera totalmente ágil.

O disco abre com “Message In A Bottle”, sem dúvidas a maior canção do trio inglês. Em uma de suas composições mais inspiradas, Sting usa a metáfora de um náufrago cercado por um milhão de missivas de outros náufragos em garrafas para discursar sobre a solidão. A canção é embalada por um dos riffs mais memoráveis do Rock tão inesquecível quanto o de “(I Can’t No) Satisfaction” dos Stones  ou “Paranoid” do Sabbath.Aqui o timbre conseguido pelo guitarrista Andy Summers , é de uma beleza indescritível.

“Reggata De Blanc” traz um excelente trabalho de Sting no baixo e vocais , mostrando porque é um dos melhores vocalistas que surgiram.

“It’s Alright For You” tem um ritmo dançante típico do Reggae, e novamente temos Summers com um excelente Riff de guitarra. A faixa também conta com um refrão inspirado que certamente permanece muito tempo na cabeça do ouvinte.

Em “Bring On The Night” é a vez de Copeland brilhar no disco, dando uma verdadeira aula em sua em sua bateria ao criar um ritmo bem dançante, ressaltando claras influencias jazzísticas. A faixa ainda possui um excelente trabalho de Sting no vocal (com ótimos backing vocais no refrão) e de Summers na guitarra conferindo certa elegância à música.

Já em “Deathwish” a banda flerta com os climas mais sombrios em todo o disco e mais uma vez a cozinha do Police mostra todo o seu potencial. O entrosamento entre Sting e Copeland é algo fantástico e isso se reflete diretamente ótimas nas canções do The Police.
A próxima canção é nada mais que “Walking On The Moon” outra canção que indelevelmente marcaria a carreira do grupo inglês. Copeland e Sting criam uma batida econômica perfeita para que Andy Summers desfile um de seus melhores riffs de guitarra em sua carreira com o trio inglês.
“On Any Another Day” é a melhor composição de Copeland no Police. Aqui temos a banda criando uma maravilhosa crônica do modo de vida urbana, destaque para a melodia bem elaborada e para os ótimos vocais na canção. Clássica!!!
“The Bed’s Too Big Without You” é uma das tristes composições de Sting, porém combina perfeitamente com a melodia mais alegre da canção trazendo claras influencias do Jazz.
“Contact” é o momento de Sting brilhar no disco com sua linha de baixo arrepiante, demonstrando sua grande capacidade criativa.
A variedade sonora deste disco é algo impressionante e “Does Everyone Stare” é de uma sofisticação impressionante, mostrando mais uma vez a competência da banda como um todo em um momento mais experimental.
Em “No Time This Time” a banda flerta com elementos do rock mais básico, é uma das músicas mais “aceleradas” do disco.
Como já dito anteriormente o Police é uma peça fundamental para se compreender melhor o Rock dos anos 80, e grande parte da influência da banda sobre as demais neste período é devido ao álbum “Reggata De Blanc”, apontado por muitos fãs como o melhor trabalho do trio inglês.

O leitor pode ter certeza que ícones dos idos anos 80/90 como Skank, Paralamas do Sucesso( os 2 primeiros discos são feitos de sonoridades chupadassas desta banda ), Legião Urbana, entres outros ouviram muito este disco e ele ainda continua fazendo escola entre grandes nomes do rock que mesclam sonoridades cruas com ritmos mais dançantes.Disco para toda a vida.

Frank Zappa - Zoot Allures - 1976

Em Outubro de 1976 Zappa e sua trupe de colaboradores entram em estúdio para registrar aquele que seria um dos albums mais roqueiro na carreira do genial cérebro da contracultura pop. Pode-se dizer que este disco é uma espécie de paródia daqueles anos, onde estava muito em voga a disco music, bar noturno, e o strip-tease. Usando dessa temática, Zappa acabou focalizado numa instrumentação mais limitada que seus álbuns conceituais, e dá uma interpretação roqueira com pitadas de suavidade e obscuridade. Nos vocais incorporou um crooner atípico que descreve o submundo em que a juventude daqueles anos estava caindo, isso tudo quase que simultaneamente ao inicio do movimento punk. Toda a ironia, sarcasmo, tiração de sarro, e discursos próprios dessa visão externa dele esta presente neste disco que é uma das referencias para quem quer conhecer as facetas diferenciadas desse artista.

A abertura, Wind Up Workin' in a Gas Station, já começa incendiando logo de cara com um rokão pesado com aqueles baking-vocals agudíssimos bem conhecidos de Zappa . Como aqui, a característica do disco é mesmo o hard-rock, basicamente há guitarras com solos pentatonicos, bases nervosas e uma vontade de extravasar e zoar o coreto.
Black Napkins, Tema instrumental onde Zappa simplesmente ousa criar um dos melhores solos de guitarra da história do rock sem exagero nenhum. São improvisos feitos com muito feeling, conteúdo e sofisticação. Muito antes de aparecer todos aqueles guitarristas velocistas nos anos 80 Zappa sabia o que dizer na guitarra, ao contrario de muitos que só sabem mandar padrões de escalas apenas para impressionar leigos, Zappa faz musica de qualidade com muitos bends e ligados bem encaixados. Audição obrigatória para guitarristas de plantão.
The Torture Never Stops, Essa é uma das faixas que desagrada muita gente pela maneira meio repetitiva da melodia, tem boas guitarras mas acaba ficando meio melancólida demais até que derepente, ouve se gemidos e gritos de uma mulher transando durante alguns minutos. Entenda-se como quiser, uma maluquice ou genialidade típico da persona de Zappa.
Ms. Pinky, começa com um grito feminino já emendado da faixa anterior, só que aqui a Harmônica de Don dá uns retoques em uma faixa onde o vocal esta sussurrando. É ótima para tocar numa festa e surpreender aqueles que nunca ouviram falar de Zappa.
Find Her Finer, uma das faixas bem inspiradas do disco pelo seu formato humorístico, que fala de passar uma cantada em uma garota que passa na rua. Tem um arranjo no estilo de balada pop, mas nota-se que é uma tirassão de sarro que foge um pouco do lance meio guitarristico e roqueiro das outras faixas.
Friendly Little Finger, outra faixa dedicada as guitarras só que com solos rápidos de baixo tudo junto num embaralhado improviso em cima de uma base simples de rock.

Wonderful Wino, é a uma das mais pesada do disco com um riff distorcido, mas, assim como outras faixas do disco, Zappa canta de maneira que sua voz pareça humoristicamente sexy.
Zoot Allures, sem duvida um dos melhores momentos do disco, com bases oscilantes de guitarra dando um clima viajante com efeitos de microfonia, porem quando Zappa parece que vai mesmo improvisar por algum tempo, a faixa já vai terminando. É uma musica calma, e também de timbres limpos mesmo com tantos efeitos.
Disco Boy, é outro hard-rock com bases e texturas rítmicas em andamento médio, onde Zappa usa de recursos de estúdio, backing-vocals e aquele vocal bem grave para brincar um pouco com a onda disco-music, usando como tema os garotos da época que ia toda noite dançar ao som dos Bee Gees e mais uma vez seu humor ácido tira sarro das modas musicais do momento.  

 

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